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February 23 – April 21, 2018
March 20, 7 pm, artist talk with Christoph Tannert and Klaus Killisch
Galerie Tore Suessbier, Berlin

This song always brings a tear to my eye …
In dieser Ausstellung zeigt Klaus Killisch Werke, von denen einige vor dem Mauerfall entstanden sind und andere danach, also vor 1989 unter den verhärteten ideologischen Vorzeichen des DDR-Sozialismus und danach unter den Kunstmarktbedingungen im kapitalistischen Gefüge. Christoph Tannert (Januar 2018) … scroll down for English and German texts

Klaus Killisch, TRANCE, 2013, drawing, 1989


Klaus Killisch, Einstürzende Neubauten, 1989
Klaus Killisch, TRANCE, 2013, Einstürzende Neubauten, 1989
Klaus Killisch, Die wilden Jahre, 1988
Klaus Killisch, Die wilden Jahre, Der große Schritt, 1988
Klaus Killisch, Der große Schritt, 1988
Klaus Killisch, Der Schreiber, 1988 + Miro
Artist Talk with Christoph Tannert and Klaus Killisch on music, art and East Berlin @ Gallery Tore Suessbier, 2018, photo: Helena Ommert

This song always brings a tear to my eye …

Christoph Tannert (Januar 2018)

In dieser Ausstellung zeigt Klaus Killisch Werke, von denen einige vor dem Mauerfall entstanden sind und andere danach, also vor 1989 unter den verhärteten ideologischen Vorzeichen des DDR-Sozialismus und danach unter den Kunstmarktbedingungen im kapitalistischen Gefüge.

Wenn wir den gesamten Bereich der relevanten sozialen Kräfte und Systeme im jeweiligen Kontext zur Kenntnis nehmen und zugleich Killischs Beitrag zu den ästhetischen Modalitäten beurteilen fällt folgendes auf: sein Formvokabular hat der Künstler über die vergangenen dreißig Jahre subtil erweitert, am Spezifischen seiner Themen und Intentionen (in einer die Realitäten überschreitenden Perspektive – siehe Titel der Ausstellung: „Trance“) hielt er fest. „Mauerdurchbruch“ (1987) und „Einstürzende Neubauten“ (1989) sind Sehnsuchtsbilder, die dem mobilisierenden Eindruck der Klangphänomene der Westberliner Formzertrümmerer gleichen Namens zu verdanken sind und pinselgestützt vom Umbruch träumen. Killisch musste sich weder verbiegen noch anpassen. Die DDR lag niemals hinter dem Mond. Wer wollte, konnte sich informieren, trotz Mauer und Stacheldraht. Aber die souveräne Art, mit der Killisch seinen Status als bildgestützter Querdenker in der DDR-Subkultur mit der westlichen Popkultur verknüpfte, brachte ihm seitens der Nonkonformisten viel Respekt ein.

Killisch erreicht mit seinen Bildern oft die Intensität filmischer  Makro-Aufnahmen; vor allem aber zeichnet er sich durch einen Bildklang aus, der Surround-Sound-Format zu haben scheint, voll von Empathie und Gitarrenverherrlichung. Bis in unsere Tage kombiniert er aktuelle Malerei-Diskurse mit Mustern der Identifikation und der Differenzierung. Man kann sie als eine Inbeziehungsetzung zu den Versprechungen von damals (zur Zeit des Kalten Krieges) wie von heute (angesichts der weltumspannenden Elendsszenarien) lesen.

Killisch kennt sich aus mit den Rockmythen, mit Musik, Lebens- und Präsentationsformen sowie Stil- und Designentwürfen der internationalen Rockavantgarde der 1960er bis -80er Jahre. „Grateful Dead“ liegt ihm besonders am Herzen. Manche Bilder sind so kompakt wie Rocksongs und treiben einem die Tränen der Erinnerung in die Augen. „Oh superman“ (2017) und „John und Yoko“ (2017) zitieren bekannte Plattencover von Laurie Anderson und John Lennon & Yoko Ono. Dass Killisch viel häufiger auch echte Singles und LPs in jam-artigen Produktionsprozessen direkt in seine Bilder eincollagiert, manifestiert das Fanverhalten der Dedikation und gleichzeitig sein Interesse an der Wucht der unmittelbaren materialspezifischen Konfrontation.

 

THE TRANCE OF HISTORY: KLAUS KILLISCH, TRANCE (2013) and Early Works

Robert Fitterman, (New York City, 2018)

Some artists move through different styles without a visible trace of their earlier works, while other artist spend their careers working primarily within one mode. Klaus Killisch’s art presents another possibility: in each of his artworks, he seems to carry with him his previous styles and concerns. This layering technique is most profound in his recent works, like Trance (2013), where the layers of history and styles span several decades. As such, it is especially useful to see Killisch’s work alongside his earliest paintings from the 1980s.

This layering of history technique makes a lot of sense for Killisch. He has lived through and participated in enormous historical changes, and each of them has not only left an impression on his artwork, but each has had an accumulative effect as his many styles often appear in one single work. Killisch started his career in East Berlin and was engaged with the revolutionary activities leading up to 1989. This early work echoed the neo-expression style that was prevalent in an oppressed East Berlin and Leipzig. But after the wall went down, Killisch embraced his interest in pop culture: advertising, fashion, photography, vinyl LPs, plastic flowers, etc. started to appear in Killisch’s art. But even as Killisch’s themes started to evolve, the residual concerns and techniques from his earlier work continued to be present in the new work as well. He carries these recent decades of history–both personal and social–through each of his artworks.

The content of Killisch’s early work often include solitary figures in an urban landscape; this theme, more recently, has become increasingly complicated with single figures repurposed from advertising, film stills, or other iconic images that also point to the solitary figure as a trauma of identity, but now a more mediated and complex version. Not only do we see this update in his themes, but in the techniques as well. Killisch samples many materials and strategies including collage and photography. These shifts in an artist’s career are common; what’s unique to Killisch’s vision is how the earlier themes and styles explicitly appear and re-appear in his later works.

Trance (2013) is a brilliant example of this historical layering. The piece is centered around the solitary male figure that is common in Killisch’s work, but the figure’s head is replaced with a swirl of hair that appears to be collaged from advertising images (hair, as an important historical pop icon, appears in several of Killisch’s works). The crossed-arms of the central figure over his genitalia is a gesture that Killisch has used earlier, and the guitars that he is holding also appear as collaged photographs. The vulnerable male figure is consistent with his earlier works, but now the figure is complicated by the appropriated use of found images–the identity is problematized and mediated by these images of popular music and culture. And yet, the more painterly gesture of Killisch’s neo-expressionistic style can be seen in the broad strokes of acrylic paint around the hair collage. It’s a moment that best exemplifies Killisch’s brazen use of layering from several historical periods in one artwork.

In the case of Killisch, exhibiting his new work alongside his early art is not simply an exercise in tracking the developing of an artist: for Killisch we are witnessing an act of self-appropriation, self-collage. In so many of his pieces, there is thought-provoking evidence of pulling down or borrowing elements from one painting to the next, over a span of three decades. As such, the best way to appreciate this work is to see several pieces from different artistic periods, different historical moments… they are all present, all at once.

 

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